Lo que conversamos en la charla “Ilustración Ahora”

Texto: Carlos Andueza Fotografías: Camilo Mendoza y Vabra Vilches Ganga

Hangout Finale

Los protagonistas de la charla: (Izq-Der) El periodista Claudio Aguilera (Plop! Galería) y los ilustradores Cecilia Toro, Paloma Valdivia, Marcelo Pérez Dalannays, Hernán Kirsten y Verónica Rodríguez.

El pasado lunes 23 de septiembre, en el Café Literario de Parque Balmaceda, realizamos nuestra primera charla como Mesa Gráfica. Fue una instancia de conversación y reflexión en torno a los últimos diez años de la ilustración en Chile con la que quedamos muy satisfechos y agradecidos, tanto con nuestros invitados como con el público asistente.

La charla también fue transmitida en vivo  y registrada en nuestro canal de YouTube. Sin embargo, la calidad del audio no es la mejor y es por eso que hemos decidido transcribir las declaraciones de nuestros invitados y reunirlas en el siguiente artículo, porque creemos en el valor de sus opiniones y quisimos rescatarlas.

Los dejamos entonces con el video de la charla/hangout, fotografías del evento y una guía de los comentarios de nuestros invitados, en la que indicamos el minuto exacto en el que fueron expuestos. Sigue leyendo

Opinión: Producir creativamente

Nuestro colaborador, el guionista de cómics Felipe Benavides forma parte del equipo productor de “Creativos en acción“, un evento dedicado a la narrativa gráfica, la ilustración y el diseño que se realiza durante varias jornadas y en distintas ciudades de Chile (Antofagasta, La Serena, Santiago y Puerto Montt), . En la siguiente columna comparte su experiencia como productor del evento, el porqué llegó a serlo y qué es lo más difícil y lo más satisfactorio de ese trabajo.

(Izq-Der) Los guionistas de cómics Carlos Reyes, Felipe Benavides y Miguel Ángel Ferrada.

(Izq-Der) Los guionistas de cómics Carlos Reyes, Felipe Benavides y Miguel Ángel Ferrada.

Para ver la columna completa, clic en este enlace: Sigue leyendo

Opinión: Sal de tu escritorio y conoce BiblioGAM

Columna Romi 002

Cuando tenemos miles de cosas en mente, ¿qué mejor que salir a otro lugar para poder inspirarse, abrir la mente y plasmar cada idea con más libertad? Pasa a veces que estando en un mismo sitio a diario, la mente se cierra, los ojos necesitan ver más allá de lo que ven siempre y nuestras manos pican por hacer trazos y crear formas diferentes, pero se tupen, no funcionan.

Hoy no les traigo un dato de materiales, hoy les contaré de un lugar al cual pueden ir cuando quieran leer, trabajar, dibujar o conseguir recursos literarios. Les hablo de BiblioGAM.

Ubicada en el centro de la ciudad, esta entidad pública es una de las bibliotecas más visitadas de Santiago. ¿Por qué? Bueno, además de ser espaciosa, cómoda, iluminada, accesible y gratuita, cuenta con una cantidad enorme de recursos literarios y gráficos, los cuales están enfocados en la formación de audiencias, es decir, esta biblioteca (una de las primeras de Chile) cuenta con material específico sobre teatro, danza, música (clásica y popular), ópera y cine, además de textos sobre diseño, arquitectura y gestión cultural, los que pueden ser utilizados en el recinto por cualquier usuario. Si quieren llevar los libros a casa, deben inscribirse y podrán hacer uso de ellos en la comodidad del hogar. Genial, ¿no?

BiblioGAM ocupa el tercer nivel del edificio A del Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), cuenta con distintas áreas comunes: mesones de trabajo en los cuales pueden acomodarse y sentarse con el computador portátil y trabajar muy cómodamente; estanterías en las cuales tienen todos los libros ordenados por tema (arte, diseño, dibujo, etc.); también hay un área infantil, donde pueden llevar a los niños a leer algún cuento, hay sillones especialmente para ellos y estanterías pobladas de libros infantiles; y, finalmente, el área de descanso donde se pueden acomodar en un sillón y leer cómodamente.

Como parte del Centro Cultural Gabriela Mistral, BiblioGAM apoya las artes escénicas, visuales y musicales, por ello, sus espacios se encuentran disponibles para el encuentro entre los creadores y el público, mediante exposiciones, presentaciones de libros, animación lectora, ciclos de cine y charlas.

¿Vives solo? ¿Te aburres en tu casa? Sal a caminar y anda a BiblioGAM. Aprende, estudia o genera tu propio espacio de trabajo fuera de casa.

  • Ubicación: Av. Libertador Bernardo O’Higgins 227, Santiago, Chile. Centro Gabriela Mistral, Edificio A, 3er nivel.
  • Horarios: martes a viernes de 9 a 19 horas. Sábados, domingos y festivos de 11 a 19 horas.
  • Contacto: biblioteca@gam.cl
  • Teléfono: +56 2 2566 5521
  • Web: www.bibliogam.cl

Columna Romi 003

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¡Muchas gracias, Festilus 2013!

PloposMesos (low)

De izquierda a derecha: Parte del equipo de Mesa Gráfica, Camilo Mendoza, Vabra Vilches Ganga, Carlos Andueza y Fernanda di Girolamo junto a Claudio Aguilera, Pati Aguilera, Fito Holloway y la pequeña Violeta, miembros del equipo de Plop! Galería.

Ayer, domingo 1 de septiembre, concluyó Festilus 2013 y, también, una semana increíble para nosotros. Como medio de comunicación tuvimos la oportunidad de cubrir gran parte de las actividades del Festival Internacional de Ilustración de Chile, por lo que estamos muy contentos y orgullosos. El objetivo de este post es agradecer a todos los que hicieron posible que Mesa Gráfica estuviera presente en este maravilloso evento.

En primer lugar, gracias a toda la familia de Plop! Galería y en especial a sus socios fundadores y principales organizadores de Festilus: Claudio Aguilera, Isabel Molina, Pati Aguilera y Fito Holloway. Gracias por todo su apoyo y generosidad; sin su ayuda nuestro trabajo hubiera sido imposible. Además, los felicitamos de todo corazón: el festival resultó excelente, una verdadera fiesta de la ilustración chilena y extranjera.

Gracias también a todos los ilustradores y narradores gráficos que estuvieron presentes durante estos siete días de actividades. Hemos tenido el privilegio de conocer en persona a muchos de ustedes y, de esa manera, hemos constatado que no son sólo talentosos y apasionados por sus oficios, sino también personas amables y abiertas al diálogo. Gracias a ustedes disfrutamos realizar nuestra labor.

Y, por supuesto, muchas gracias al público asistente a Festilus, a los lectores de Mesa Gráfica y a nuestros seguidores en redes sociales. Gracias por sus comentarios, sus “me gusta” en Facebook, sus tuits y retuits en Twitter y sus corazones en Instagram. Su apoyo constante es lo que nos motiva.

Seguiremos trabajando para ustedes y con ustedes. ¡Muchas gracias a todos!

Equipo Mesa Gráfica

Lunes 2 de septiembre de 2012

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🙂

Opinión: Mi vida como guionista

Nuestro colaborador, el guionista Felipe Benavides, nos cuenta su experiencia personal siendo guionista de cómics en Chile, describiendo la relación que se forma con el dibujante y el editor y enumerando las distintas actividades que rodean el oficio de guionista.

Foto Guión (Color)

Ser guionista de narrativa gráfica es una tarea difícil; es como querer tener un hijo sin una pareja. ¿Por qué? Simple. Para hacer una obra de narrativa gráfica se necesitan, al menos, 2 personas: un guionista y un dibujante. Sé que algunos dirán que existen artistas “integrales”, pero aun ellos deben admitir que necesitan más personas para hacer sus publicaciones. Además de un dibujante, un rotulador, un editor, por sólo nombrar a algunos, porque escribir un guión no se trata sólo de contarle una historia al lector, como lo hacen los escritores en sus novelas. Esto va mas allá.

Les hablaré de mi experiencia laboral, no del cómo ni del porqué llegué a ser guionista. Cuando recién comencé a escribir guiones, las dificultades fueron evidentes (partiendo porque contaba malas historias): mi manera de narrar era muy “audiovisual”, me imaginaba planos y escenas que claramente eran para cine o animación, por lo tanto, tuve que empezar a minimizar las secuencias y llegar a lo que llamo el “cuadro absoluto”, esa escurridiza viñeta que resume toda una secuencia de acción; es como si varios minutos de proyección en una pantalla se redujeran a un sólo dibujo. Cuando logré dominar esta técnica (bueno, quizás todavía no la domino tanto) me di cuenta que me topaba con otro desafío: mis historias no estaban dirigidas sólo al público, mi primer objetivo no era relatarles los hechos a un lector, sino que el asunto era más complicado, porque para poder publicar necesitaba una “pareja”, un compañero que me ayudara en la aventura, mi propio Chewbacca, esa especie escurridiza y escasa: un dibujante de cómic. Sería él quien plasmaría mis ideas con tinta o bits.

Mi primera labor como guionista es contarle la historia a mi compinche, porque eso terminará siendo: el “partner” del cual dependerá si la aventura llega a buen puerto no. Entonces, se debe encantar al dibujante, ya que él es el primer filtro, el primer público al que le relataremos nuestra historia. Lograr una simbiosis con él es ideal, así es posible llevar a cabo el proyecto de mejor manera. Pero claro, no es tarea sencilla, porque uno no siempre sabe contar bien las historias, sea de manera oral o a la hora de plasmarlas en un guión técnico: cada uno tiene su propio ritmo, su propia manera de ver, sentir y relatar.

Yo doy gracias por trabajar directamente con los dibujantes, porque cada vez que lo hago la historia se enriquece. Ellos le ponen un filtro diferente, como si fueran el “Instagram” de mis guiones e hicieran que todo se viera mejor de como lo imaginaba. Para lograr este enriquecimiento he debido modificar mi forma de escribir, he evolucionado y cada vez soy más (y a la vez menos) detallista. Sé que mis historias deben tener bases sólidas, pero también sé que no puedo ser rígido: mientras más flexible sea el guion, mientras mejor se pueda adaptar a los cambios, la historia será mejor o, en mi caso, más entretenida. Esto tiene directa relación con la “modularidad”, es decir, la manera de tratar la historia en forma de módulos, por partes; pensarla de manera que pueda ser contada en diferentes formatos y longitudes. La misma historia debe ser adaptable para poder contarla en una o en cien páginas. Si logro eso es que voy por buen camino.

Pero después de todo eso, se debe encantar a otra persona: el editor. Que, como si fuera el suegro de la relación, a veces pide cosas que no queremos hacer o nos prohíbe algunas que morimos por experimentar, así que también debemos dejarlo contento a él. He trabajado con editores que me dan bastante libertad a la hora de crear, pero que velan por el producto final y la “modularidad” entra en acción. Por ejemplo, uno tiene una historia de 32 páginas, pero el editor dice que para publicarla debe tener tantas páginas más o tantas menos, por lo tanto, el guión DEBE ser flexible.

Durante años fui editor y pedí un montón de cosas que ahora me piden a mí que estoy 100% dedicado al guión y me siento un poco incómodo. Debo ir a lanzamientos, participar en eventos, dar charlas, firmar libros junto a otros colegas (con los que uno no tiene por qué llevarse bien) y así, un sinnúmero de actividades que están mucho mas allá de la escritura de un guión, pero que como autor debo asumir.

Como pueden ver, ser guionista es una gran aventura que está llena de obstáculos, pero también de satisfacciones.

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Opinión: Marcadores lavables, reversibles y todo terreno

Posca 001

¡Hola a todos!

Primero que todo, muchas gracias por la buena acogida que tuvo mi primera columna en Mesa Gráfica. Espero les sirvan los datos, algunos más que otros, dependiendo de las necesidades y gustos de cada uno.

En esta oportunidad, quiero mostrarles una gama de marcadores muy especial y completa: POSCA. Estos marcadores están hechos a base de agua y en su interior tienen una bola que está diseñada para mezclar la pintura, logrando así un acabado más homogéneo.

Otra característica especial de este producto es su punta con movimiento. ¿Qué significa esto? Que permite hacer bajar la pintura dependiendo de la cantidad que ustedes necesiten.

Otro dato importante es que la punta es lavable y reversible, lo que es perfecto para cuando se deforma por haberla utilizado en alguna superficie muy porosa y quieren volver a tenerla como nueva, por ejemplo.

Algo muy interesante es la variedad de marcadores que tiene POSCA en el mercado. Hay algunos con punta muy fina (PC1-M, PC1-MR, PC3-M) para trabajos de mayor precisión; otros de punta pincel o brush (PCF-350), para trazos más libres y artísticos; y finalmente otros con punta media a gruesa (PC5-M, PC8-K, PC17-K) para pintar superficies de grandes dimensiones o para cuando es necesaria una mayor cobertura.

Existen en diversos colores para todos los gustos y lo más entretenido es que pueden utilizarlos en muchas superficies: tejidos, maderas, vidrios, minerales, porcelana, metales, papeles, plásticos, cartones, telas, etc.

En el sitio web oficial, muy completo por lo demás, encontrarán muy buenos datos e ideas para utilizar los marcadores en diferentes superficies, cómo fijarlos de manera permanente, detalles de sus características, tutoriales creativos y una completa sección de preguntas frecuentes para resolver todas sus dudas.

¡Pueden hacer diseños increíbles! Y dependiendo sobre qué superficies los usen, podrán tener mayor o menor fijación, por lo tanto, duración del trabajo. Hay algunas en las que puede ser eterno, como en otras en las que puede durar muy poco, pero lo importante es disfrutar la experiencia, ya que es la mejor forma de aprender.

Les dejo un par de imágenes de mis experimentos con mis POSCA tamaño PC-3M, colores: rosa, blanco, amarillo y dorado. No sé cuánto vaya a durar, ya que es una superficie que se lavará a menudo, pero me gustó como quedó, ¡dure lo que dure soy feliz igual! Y estoy segura que ustedes también lo serán.

Nombre producto: Marcador POSCA
Tamaños: PC1-M, PC1-MR,PC3-M,PCF-350,PC5-M, PC8-K, PC17-K
¿Donde encontrarlos?: Plop! Galería (Merced 349, nº 7, Barrio Lastarria.) y Librería Color Animal
Valor referencial: Desde $2.690 c/u

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Opinión: Pinceles… ¡¿con agua?!

Amigos de Mesa Gráfica, démosle una calurosa bienvenida a una nueva colaboradora de nuestro blog: la señorita Romina Lavín Vidal, alias Romi Run Run. Ella es una estudiante de diseño gráfico con alma de ilustradora que, desde hoy y cada semana, compartirá con nosotros los mejores datos de materiales para ilustrar y dónde encontrarlos. A continuación, los dejamos con su primera columna.

Koi 002 (Web)

Hola chicas y chicos!

En esta aventura semanal conoceremos materiales de trabajo, pequeños tips y muchos y buenos datos para quienes comienzan, y por qué no, para los que ya llevan tiempo en esto de la ilustración. Nunca está de más un recordatorio o una ayuda.

Les cuento: no soy ilustradora, soy apenas estudiante de diseño gráfico, pero adoro la ilustración, es por eso que también amo los lápices, marcadores, pinceles, acuarelas, croqueras, etc. y, con ello, visitar librerías, papelerías y páginas de ilustradores nacionales e internacionales, para fijarme en sus técnicas y en los materiales que usan en sus trabajos. Con esto he ganado muchos datitos que quiero compartir con ustedes.

Esta vez les contaré que paseando un día por Internet, encontré unos pinceles que son excelentes para cuando uno pinta con acuarelas, lápices acuarelables, e incluso marcadores acuarelables, en un lugar poco cómodo, como un parque, por ejemplo. Estas maravillas solucionan el drama de tener que andar con el vasito con agua a cuestas.

Los pinceles Koi incluyen el agua en el mismo pincel. ¿Cómo? El pincel mismo tiene un depósito que contiene el agua y permite manejar su flujo que sale por presión. Es decir, si necesitas más agua, presionas un poco el depósito y sale lo que necesitas, ¿fácil no?.

Otra de las grandes cualidades de este pincel es que posee cerdas sintéticas, o sea, se deforma mucho menos y la fluidez es mucho mayor: las pinceladas serán mucho más suaves y más precisas a la vez.

Si les preocupa que se pueda escurrir el agua, les cuento que eso no pasa; tengo un pincel en mi estuche y jamás se ha salido el agua. Si de todas maneras prefieren prevenir, el mismo pincel trae consigo un taponcito que permite desarmarlo para que la parte del agua quede totalmente sellada y así proteger las cerdas.

Por el momento lo he encontrado sólo en tamaño mediano, pero es una medida muy cómoda para trabajar. Y pueden usarlo tanto para acuarela como para tintas, lo que lo hace aún más interesante, ya que no sólo facilita la forma de acuarelar por medio de agua.

¿Entretenido, no?

Koi 003 (Web)

Nombre del producto: Koi Waterbrush (pincel para agua)
Tamaños existentes: Pequeño – Mediano – Grande
Contenido por pack: 1 pincel, 1 contenedor de agua, 1 tapón para el contenedor  y 1 tapa protectora para las cerdas.
¿Donde encontrarlo?: En Plop! Galería  (Merced 349, nº 7, Barrio Lastarria) o en sucursales de la tienda ColorAnimal.
Valor referenciales: Mediano $5.900 c/u

Opinión: La teoría de la Narratividad

Narrativas

¿Qué es la narrativa gráfica? ¿Se pueden agrupar denominaciones como “cómic”, “historieta”, o “manga”, bajo ese concepto? El guionista chileno Felipe Benavides (autor de los cómics “Fumetsu” y “Clase B”, entre otros) y los socios fundadores de NGI (Agrupación de Narrativa Gráfica e Ilustración en Chile) tuvieron estas mismas interrogantes al momento de formar esa comunidad. En la siguiente columna de opinión, Felipe Benavides comparte su definición de “narrativa gráfica” y contextualiza el modo en que este concepto se posicionó tanto en el medio gráfico como en los medios de comunicación locales.

Trataré de contarles esta historia de la mejor manera posible y tal como la recuerdo, cosa que no es fácil ya a mi edad.

Cuando, en el año 2009 d.C., estábamos planeando la comunidad de creativos, que luego se llamaría NGI (2009-2012), nos topamos con el problema de la denominación. Había una gran cantidad de términos que hacía referencia a lo mismo, pero varios de ellos en forma, más o menos, despectiva:

  • Cómic: derivado de las tiras “cómicas” aparecidas en los periódicos. Este término cuenta con el problema que no todo lo que se hace en formato “cómic” es cómico y se presta para malos entendidos, sobre todo por parte del público y la prensa, quienes entienden que los “cómics” son para niños, ya que son “cómicos”.
  • Historieta: término muy arraigado, sobre todo en nuestros vecinos transandinos. El problema en particular, es que hace referencia a una “historia pequeña”, lo que disminuye la importancia o madurez con la que cuentan muchas historias en formato “historieta”.
  • Manga: o cómic japonés, que en realidad es solamente una palabra que en japonés se usa para denominar al cómic, historieta, tebeo, etc.

Con estos ejemplos creo que ya están entendiendo el problema: los términos ocupados para hablar del arte secuencial estaban viciados, sus significados eran poco claros y, como si esto fuera poco, los medios los mal entendían y prejuzgaban.

Varios interesados en el tema nos reunimos a deliberar qué podíamos hacer para romper este esquema, para que se dejara de mirar mal a esta manera de contar historias que tanto amamos.

De esas conversaciones surgió un término que cobró cada vez más fuerza, a nivel tal que terminó por ser usado en el nombre de la agrupación: NGI debe su nombre a que incluye Narrativa Gráfica e Ilustración, disciplinas muy cercanas, pero con grandes diferencias entre sí… pero ese es otro tema y da para mucho. Entonces, ¿qué es Narrativa Gráfica? Toda narración efectuada en forma secuencial usando viñetas.

Desde ese entonces logramos posicionar este nuevo concepto (nuevo para nosotros y el medio nacional) y la prensa, tanto escrita como audiovisual, lo recibió de buena manera y se generó un fenómeno que era perseguido desde hace mucho tiempo, pero que había resultado escurridizo: Nos tomaron en cuenta. Sin embargo, no sólo fue definir el término lo que ayudó, la notoriedad que tomó NGI como agrupacióny la gran cantidad (y calidad) del material producido en los últimos años, además de los vínculos que se crearon con periodistas como Daniel Olave, Carlos Andueza y Gustavo Arismendi, nos abrieron esta puerta que durante tantas décadas había estado cerrada.

Pero retomando el tema que nos convoca, ¿por qué narrativa gráfica?, ¿por qué usar este término nuevo y no potenciar alguno de los otros? Creo que la respuesta a eso es sencilla: por la novedad. Cuando algo es nuevo siempre llama la atención. Este término no había sido escuchado antes, o al menos no con tanta fuerza, por y en los medios en general. Aún más, les facilitaba el trabajo, ya que no se enredaban hablando de cómics, historietas, tebeos y demás. Por el contrario, podían usar este mismo término para hablar de todo, sin el miedo de estar “metiendo la pata” y llamando tebeo a una manga, por ejemplo. Además, el concepto traía (no sé de dónde) un aire de sofisticación, que encantó a todos aquellos que querían hablar del tema. Obviamente este término no es usado por todos los cultores de la técnica. A algunos les molesta o les parece “presuntuoso”. Otros quieren ser más tradicionales y seguir con las denominaciones de antaño. Lo importante es que se logró unir a todos los cultores de esta expresión narrativa, bajo un mismo denominador y ahora todos pueden autodenominarse, sin temor alguno, narradores gráficos.

¿Qué les pareció la columna de Felipe Benavides? Los invitamos a compartir sus propias opiniones en la sección de comentarios, a continuación.

Opinión: “Mocha Dick, la leyenda de la ballena blanca” de Francisco Ortega y Gonzalo Martínez

MochaDick

“Mocha Dick” es una historia simple, muy correcta y bien armada. Situada espacial y temporalmente en la época precisa a través de la vestimenta, el lenguaje y los paisajes, somos capaces de ingresar de cabeza y sin problemas a la vida de los balleneros del siglo XIX, aquellos que -prácticamente- depredaron a estos bellos y, generalmente, dóciles animales.

La famosa “Moby Dick” de Herman Melville es una gran novela basada en hechos documentados en el sur del mundo, en esos mares indómitos de TrenTren y KaiKai Vilú, pero que siempre me ha dejado la sensación de que alejó al gran cachalote albino de su tierra natal. Con esta entrega, Francisco Ortega y Gonzalo Martínez devuelven suavemente al laviatán a las gélidas aguas donde pertenece a través de la historia que nos cuenta Caleb Hienam, donde conocemos a Aliro Leftraru y a la gran Mocha -que representa, además, el mito mapuche de Trempulcahue- y la lucha animal contra los cazadores furtivos de crías y madres junto a la lucha humana por la necesidad de conocer y estudiar a los mamíferos acuáticos… Pero no hablaré más de la historia, mejor léanla.

Se agradece lo concienzudo y variado (desde textos bíblicos hasta Mampato) de la investigación bibliográfica del señor Ortega y el exceso de talento alojado en las manos del señor Martínez: “Mocha Dick” puede ser disfrutado tanto desde el punto de vista gráfico como desde el literario. Fue escrita y concebida de manera bella y perfecta, para ser bella y perfectamente dibujada. Hay amoríos, traición, asesinatos y aventuras, ingredientes que siempre han logrado mantener mi atención.

Desde mi punto de vista como docente de artes visuales, debo agregar: es una obra que vale la pena tener en las bibliotecas escolares. Hay muchas aristas que podemos tomar para iniciar comparaciones literarias entre diversas obras y, además, comenzar investigaciones históricas y bibliográficas que, en estos días de la inmediatez de Internet, se agradecen y se extrañan. Ojalá algún sostenedor – UTP – docente de Lenguaje lea esto…

Para finalizar, tres palabras:

Aplausos.

De pie.

Nombre: “Mocha Dick, la leyenda de la ballena blanca”
Autores: Francisco Ortega (guión) y Gonzalo Martínez (dibujos)
Editorial: Norma
Año: 2012
Precio: $8.990.-
¿Dónde encontrarlo? Supermecados Jumbo, Librería Antártica, Feria Chilena del Libro, Librería Que LeoShazam Cómics y en buscalibre.cl

Opinión: “Fumetsu: El Despertar” de Felipe Benavides y Fernando Pinto

Nuestra community manager, Fernanda di Girolamo, más conocida como Berdea en Twitter, quiso sumarse a nuestra sección de Opinión comentando un nuevo cómic chileno: “Fumetsu”, escrito por Felipe Benavides y dibujado por Fernando Pinto. Los dejamos con la opinión de Berdea. Eso sí, ¡alerta de spoilers!

fumetsu

Sinopsis: Muchos años en el futuro, las guerras, enfermedades y contaminación han mermado la población de la tierra. Así están las cosas cuando una raza de guerreros alienígenos invade la tierra. Una niña llamada Kibō y su mascota Oso buscan la última esperanza de la humanidad: Un samurái legendario llamado Fumetsu. ¿Podrán este samurái y su espada derrotar a todo un ejército de invasores?

“Fumetsu” es una obra postapocalíptica con tintes e influencias orientaloides muy similar a Avatar -nótese que me refiero a “El último maestro del aire” y no a los gigantes azules de Cameron, POR FAVOR-, que se presenta como introducción hacia una gran historia pero, a mi gusto, es una introducción muy larga. Mucha escena de batalla y poca resolución de conflicto. De las 50 páginas que cuentan la historia, una 15 son sólo de peleas. Épicas, sí, pero no ayudan a una profundización de la historia. ¿Cuál habrá sido el público específico para el que fue pensado “Fumetsu”? Porque lo leí a mis 26 primaveras con ojo crítico y me pareció bien, pero mi hermano chico de 16 años se aburrió. Quizás el target sea un público mas pequeño aun, como el que disfrutaba de las aventuras de Aang y Appa.

La presentación de los personajes también se me antojó breve. Kibō es descendiente de la resistencia, conocemos brevemente a su abuelo en un flashback de una viñeta… Fumetsu, protagonista misterioso, no nos otorga ni una luz sobre su pasado heroico, al igual que Kumiko… Eso sí, el dibujo es buenísimo. La línea de Fernando Pinto acompaña muy bien la intención del guión de Felipe Benavides. La distribución no tradicional de las viñetas y el juego de medios tonos da una intencionalidad y emoción precisas a cada momento. Aún así, quedan demasiadas interrogantes sobre los seres Warui, Kibō, Fumetsu y Kumiko. Quiero saber de dónde vienen, qué los motiva… ¿Cuál fue el verdadero motivo por el que los Warui invadieron la tierra? ¿Por qué Fumetsu es un guerrero legendario?

A todas luces, esto continuará. Y, la verdad, me gustaría leerlo.

Nombre: “Fumetsu: El despertar”
Autores: Felipe Benavides (guión) y Fernando Pinto (dibujos)
Editorial: Visuales
Año: 2013
Precio: $5.990
¿Dónde encontrarlo? Librería Antártica y Shazam Cómics.
Pueden leer las primeras páginas de “Fumetsu” en este enlace.

Opinión: “Año sabático” de Vicente José

La ilustradora chilena Sol Díaz, autora de la novela gráfica “La hoja naranja“, quiso participar en nuestra sección de Opinión comentando “Año sabático”. Se trata del primer libro de historietas del artista chileno Vicente José Cociña, que recopila 85 viñetas de su blog autobiográfico. Vicente, además de hacer cómics, es instructor de Tai-chi y un aficionado a la fotografía Polaroid. Ahora, dejamos que Sol nos ilumine con su opinión.

AñoSabático

“Apenas vi la portada de ‘Año sabático’, me encantó. Casi todas las portadas de las novela gráficas chilenas son oscuras y de temáticas densas. Pero éste libro tiene una portada muy distinta, con una personalidad propia. El dibujo se parece al de la PowerPaola; tienen una onda similar, encuentro yo.  Me acuerdo que eso me cautivó en primer lugar.

Yo no conocía al autor, y no me acuerdo quién, pero alguien me dijo que este libro no era muy bueno. Me extrañó ese comentario, pero quise entrar al blog primero y después ver si me lo compraba. Entré al blog del loco y me quedé pegada hasta no sé qué hora, leyendo una, dos, diez viñetas y me dije: ‘No, basta, no voy a leer más; prefiero seguir en el libro’. Así que me lo compré. Me gustaron mucho sus historias. De pronto habla de nada, pero es una nada muy cotidiana y muy bacán de ver. Además, el autor es muy sensible desde su punto de vista masculino. No se retrata como el tipo taquilla con mucha plata. No. Él confiesa que no tiene ni un peso. Retrata la relación que tiene con su mina y cómo se lleva con su papá. Es un autor sencillo, cariñoso y poco pretencioso, me gusta eso. Me encanta que sea honesto.

Y en cuanto a lo que no me gusta del libro… no sé. Creo que nada. Me gustó tanto que hasta fui a su lanzamiento y le pedí al tipo que me lo firmara”.

Nombre: “Año sabático”
Autor: Vicente José Cociña
Editorial:Chancacazo
Año: 2012
Precio: $8.300
¿Dónde encontrarlo? Plop! Galería, Librería Ulises, Librería Común Literaria.
Pueden ver las primeras páginas de “Año sabático” en este enlace.

Opinión: ¿Cuál es la diferencia entre un ilustrador y un dibujante de cómics?

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Son oficios distintos, pero muchas veces se confunden. Para aclarar la diferencia, les presentamos esta columna escrita por el guionista chileno de cómics Felipe Benavides (autor de “Fumetsu” y “Clase B”, entre otros).

Acá voy a hablar de una definición personal y muy particular de ambos, pensando siempre en la narrativa gráfica. Porque como todos sabemos, existen tantos tipos de ilustrador y dibujante como peces hay en el mar.

Es muy común que se suela confundir a uno con otro, sobre todo por parte de los medio de comunicación. Vemos una y otra vez como los periodistas  dicen “el ilustrador de tal o cual cómic , siendo que el termino adecuado es “dibujante”. ¿Por qué? Fácil. Y acá es donde vienen las definiciones.

EL ILUSTRADOR es la persona que se dedica a “ilustrar”, es decir, representar un concepto en forma gráfica, transformándolo en una imagen. Esto quiere decir que el ilustrador toma un concepto o situación particular y a partir de ella crea una imagen, que puede o no contar una historia, pero que es una imagen unitaria y sin secuencia.  Claro ejemplo de esto son los libros de cuentos que cuentan con imágenes representativas del texto.

Dentro de la narrativa gráfica  los ilustradores tienen un rol que no es menor: son los encargados de las portadas. Esto es importante porque la portada es lo primero que se ve del producto y es lo que lleva al cliente a hojear o no el libro (revista, cómic, etcétera).

El trabajo del ilustrador no es fácil, ya que en una sola imagen se debe representar lo que ocurre en el interior de dicho libro, de manera atractiva, no sobrecargada y comprensible.

EL DIBUJANTE es el creativo que, a través de una secuencia de imágenes, narra una historia o serie de acontecimientos. Su trabajo tampoco es fácil, porque la serie de imágenes debe tener ritmo. El ritmo es el que le da el tiempo de lectura a cada una de las viñetas, sean con o sin texto. Al poner mayor cantidad de detalles en cada viñeta (o al hacerla más grande), el lector estará más tiempo en la misma, lo que ralentizará el ritmo de lectura. Por el contrario, una secuencia de pequeñas viñetas con pocos detalles hace que la lectura vaya más rápida.

Existen contadas excepciones de personas que pueden ser ambas cosas. Pero incluso si le preguntan a ellos, se darán cuenta que los procesos para ilustrar y dibujar son totalmente diferentes, tanto desde el punto de vista creativo como del practico. Es diferente el sentarse a pensar una imagen que debe ocupar por completo esa temida “página en blanco”, que hacer lo mismo, pero pensando en la secuencia de viñetas que se deberá rellenar.

Así que, de ahora en adelante, cuando vean a alguien que hace narrativa gráfica, recuerden que es un “dibujante” y no un “ilustrador”.

¿Qué les pareció la columna de Felipe Benavides? ¿Están de acuerdo con las definiciones que plantea? Los invitamos a compartir sus propias opiniones en la sección de comentarios, a continuación.